Archive for the ‘Christoph Schlingensief’ Category

Der Wotan vom Prenzlauer Berg oder VEB Eisenwaren am Grünen Hügel

Samstag, Juli 23rd, 2011

 wagner_family_1881.jpg Wagnerfamilie mit Freunden 1881 vor der Villa Wahnfried in Bayreuth.
Foto: gemeinfrei unter wikimedia commons

Frank Castorf inszeniert den Ring zum Wagnerjubiläum, ganz wie im Traum

Nachts im Intendantenbüro der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. Frank Castorf sitzt an seinem Schreibtisch und liest die Bild-Zeitung. Titel: „Wahnsinn! Castorf, der Wahnfried des Ostens, ist im Gespräch für den Jubiläums-Ring in Bayreuth“.

Castorf: Das wird gigantisch, jetzt zeig ich diesen Spießbürgern auf dem Hügel mal, wo der Wotan seinen Speer hängen hat. Bis zum Anschlag schieb ich denen das Ding in ihren bigotten Bildungsbürgerarsch. Mit Waffen wehrt sich der Mann. Da kippt selbst die Katharina aus ihrem Brünnhildengewand. Und die ganze Familie nehme ich mit nach Bayreuth. Den Wotan macht natürlich der Hübchen, den krieg ich schon irgendwie raus aus seiner brandenburgischen Datsche. Und meine Damenriege erst mal, als Walküren unschlagbar. Wer könnte den Siegfried spielen? Mit blonder Perücke geht vielleicht der Wuttke als Siegfried durch und für den Rest finde ich auch noch ein paar Nazi-Statisten. Das Bühnenbild baut wie immer der Bert. Wir stapeln da einfach ein paar alte Container übereinander und werfen `ne Menge Schrott auf die Bühne, fertig ist das Walhall. Und einen neuen Text braucht die Schmonzette natürlich. Das macht der René, der hat schon den Nietzsche so toll beballert. Ein paar schön sinnlose Diskursschleifen und die Bayreuther Schickeria weiß nicht mehr wo das Walhall liegt. Er nimmt das Textbuch und fängt an zu lesen:
Weia! Waga!
Woge, du Welle!
Walle zur Wiege!
Wagalaweia!
Wallala weiala weia!
Daraus lässt sich doch sicher noch was Politisches machen und den Heiner Müller kriegen wir da auch noch irgendwie rein. Einen Dramaturgen brauche ich natürlich noch. So ein Mist! Alle weg. Der Rosinski macht jetzt bestimmt Störtebeker-Festspiele an der Ostsee. Ob der Matthias Lust hat? Nee, viel zu kommerziell und zu wenig postmigrantisch. Ich rufe den Carl an, der ist ja sozusagen eine Wagner-Koryphäe. Aber der ist ja jetzt beim Baumgarten unter Vertrag. Immer muss der mir alles wegnehmen, erst die Kathrin und dann den Hegemann. Aber die Sophie hält zu mir, die macht die Brünnhilde. Festspielerfahrung als Buhlschaft hat sie auch, und singen kann die, da legen die in Bayreuth die Ohren an. Er springt auf den Tisch und fängt an zu singen:
Nun zäume dein Roß, reisige Maid!
Bald entbrennt brünstiger Streit:
Brünnhilde stürme zum Kampf,
dem Wälsung kiese sie Sieg!
Hojotoho! Hojotoho!
Heiaha! Heiaha! Hojotoho! Heiaha!

Das Stalin-Bild an der Wand wackelt bedrohlich.
Dann klingelt das Telefon.

Castorf: Hallo?
Stimme aus dem Telefon: Hallo Frank, hier ist der Christoph.
Castorf: Christoph? Wie jetzt? DER Christoph?
Schlingensief: Ja, Frank, ich bin`s der Christoph, mir ist so fad auf der Wolke und da dachte ich: Ruf doch mal den Frank an. Wie geht’s denn so?
Castorf: Dich schickt der Himmel… Äh, ich meine natürlich: Lustig im Leid sing ich von Liebe; wonnig aus Weh web ich mein Lied: nur Sehnende kennen den Sinn!
Schlingensief: Oh ja, der Wagner. Das hat sich hier schon rumgesprochen. Der alte Richard und vor allem der Wolfgang machen sich so ihre Sorgen. Hast du denn schon einen Plan?
Castorf: Na klar, alles im Griff. Ein Schwert verhieß mir der Vater, ich fand es in höchster Not. Und jetzt schmiede ich eiserne Pläne für Bayreuth. Da wechsele ich erst mal alle Schrauben aus. Da bleibt kein Stein auf dem anderen.
Schlingensief: Frank, denk daran, es ist einsam da oben auf dem Hügel. Ich will dir einen Rat geben. Was du nicht weißt, weiß ich für dich…
Castorf: Ach ja? Das kenne ich schon. Mein Filz, mein Fett, mein Hase. Kannst du den Weg mir weisen, so rede: vermagst du’s nicht, so halte dein Maul!
Schlingensief: Wirr wird mir, seit ich erwacht: wild und kraus kreist die Welt! Drum sieh, wie den Sturm du bestehst: ich Lustiger laß‘ dich nun im Stich! Legt auf.
Castorf: Christoph? Christoooph! Scheiße, der hat mir nicht mal seine Nummer gegeben. Ach, ich weiß doch selbst, wo der Hase lang läuft. Mir braucht keiner mehr die Bilder zu erklären. Zieh hin! Ich kann dich nicht halten!

Der Morgen graut. Die Sekretärin kommt ins Zimmer.

Castorf: Heil dir, Sonne! Heil dir, Licht! Heil dir, leuchtender Tag!
Sekretärin: Na, wieder das ganze Wochenende durchgearbeitet, kann ich endlich den neuen Spielplan veröffentlichen?
Castorf: Wir brauchen keinen neuen Spielplan mehr, ich geh nach Bayreuth. Der Christoph hat angerufen. Sollen die doch die Volksbühne dem Peymann geben. Hier kommen doch auch nur noch Rentner her. Diese Freizeitrevoluzzer habe ich dicke.
Sekretärin: Geht`s noch? Christoph? Sie wollten doch nicht mehr in alten Zeiten schwelgen. Ich geh dann mal einen starken Kaffee kochen. Wirft eine frische Bild-Zeitung auf den Tisch und geht.
Castorf: Ja, ja, und such mir mal die Nummer von MVS raus, wir brauchen jede Menge Container.
Liest die Zeitung: Überraschung am Grünen Hügel: Frau und Ossi. Das Bayreuther Damendoppel nominiert nun doch eine Doppelquote für den Ring 2013. Nach dem peinlichen Anmelde-Debakel von Peter Schwenkows Wannseefestspielen kommt Katharina Thalbach von Berlin nach Bayreuth. Im Gepäck hat sie eine posthum herausgekommene Ringfassung von Christoph Schlingensief. Aino Laberenz wird für die Kostüme verantwortlich sein und den Wotan gibt aller Voraussicht nach Volker Spengler.
Der Volker! Warum weiß ich da nichts von? Deswegen schwänzt der hier. Haben die mich jetzt alle verraten? Sogar die Aino… Weiber!
Des Hasses Frucht hegt eine Frau, des Neides Kraft kreißt ihr im Schoß: Das Wunder gelang den Liebelosen.
Dann inszeniere ich den Ring eben hier an der Volksbühne, bis 2013 habe ich ja noch Zeit. Vielleicht macht ja auch der Johann Kresnik mit. Den rufe ich jetzt an und dann gibt’s Götterdämmerung und Schweinehälften satt. Der Meese kann die Merkel mit Pickelhaube und Schweißflecken geben und den Herbert lasse ich dann noch den Tristan und die Meistersänger als Klamotte aufführen. Was für eine Gaudi!

Götterdämm’rung, dunkle herauf!
Nacht der Vernichtung, neble herein!
Der alte Sturm, die alte Müh‘!
Doch stand muß ich hier halten!
Des Speeres Splitter fest in der Hand.

Elke!!! Gibt’s noch Kartoffelsalat in der Kantine?

ENDE

Unter Verwendung von Texten aus dem Libretto des Rings von Richard Wagner.

Deutschlandsuche99 Wagner lebte schon vor 12 Jahren an der Volksbühne. Sex im Ring, Christoph Schlingensief bei der Aktion Deuschlandsuche 99.
Foto von Schreibraft unter Creative Commons-Lizenzbei wikimedia commons.

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Frech wie Oscar, Herbert Fritsch tanzt Polonaise. Noch mal Schlingensief und ein kleines Fazit zum Abschluss des Theatertreffen 2011

Donnerstag, Mai 26th, 2011

Foto: herbert_fritsch.JPG
Oberhausener Kurzfilmtage 2009 – © Herbert Fritsch / Sabrina Zwach 

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Verfickte Scheiße, Mutter Wolffen, der Weihnachtsbaum brennt

Der heimliche, unheimliche Star des Theatertreffens war mit Sicherheit der 60jährige „Jungregisseur“ und ehemalige Volksbühnenstar Herbert Fritsch (u.a. Elementarteilchen, Meine Schneekönigin, Das große Fressen und Im Dickicht der Städte), der mit seinen beiden frischen und frechen Inszenierungen die verschnarchte Berliner Theaterszene aufgemischt hat. Er ist aber nicht auf einmal darauf verfallen als Theaterregisseur zu arbeiten, sondern hat bereits seit längerem als medialer Künstler gearbeitet. Mehrere Videoinstallationen, Kunstfilme und schließlich das Projekt hamlet_X beweisen sein universelles Talent.
Fritschs Äußerung zu seiner zum tt11 eingeladenen Schweriner „Biberpelz“-Inszenierung: „Hauptmann? ich kenne den Mann nicht.“ dürfte das Zeug haben, zur geflügelten Redewendung zu werden. Das ist natürlich Koketterie, er reagiert damit entsprechend auf das plötzliche mediale Interesse an seiner Person, ein Schauspieler durch und durch. In seiner Version des Biberpelz tritt eine krass geschminkte Meute von Kleinbürgern auf und brüllt im Chor die naturalistischen Szenenbeschreibungen von Gerhard Hauptmanns Stück um den besagten von Mutter Wolffen gestohlenen Biberpelz. Mehr Naturalismus kommt nicht vor, Fritsch überzeichnet die Figuren gnadenlos bis zum Slapstick. Alles tanzt um eine bewegliche Wand, verbiegt sich, stürzt am laufenden Band, grinst oder zieht andere saure Grimassen. Das groteske Mienenspiel und der enorme Körpereinsatz sind hier Ausdruck für die Gier, Verschlagenheit, Scheinheiligkeit oder Tumbheit der Charaktere. Die Sprache bei Hauptmann noch Berliner Dialekt ist bei Fritschs Darstellern ebenso deformiert wie schon ihre Figuren selbst.
So wird das Spiel zu einer Art pantomimischer Clownerie, begleitet von Shantys und dem bisweilen schwer verständlichen Gebrabbel der Protagonisten. Es stehen Plattdeutsch neben Randberliner Dorfdialekt, Mutter Wollfen mit etwas schlesischem Einschlag, etwas Süddeutsches ist auch herauszuhören und einzig der Amtsvorsteher Wehrhahn (Jakob Kraze) spricht ein halbwegs verständliches Berlinerisch. Seine Borniertheit und die opportunistische Haltung seiner Untergebenen werden in herrlichen Fall-Choreografien verdeutlicht. Mutter Wolffen (Brigitte Peters) hat Herz und Schnauze auf dem rechten Fleck und kann sich immer wieder gegen die anderen Chargen behaupten. Dr. Fleischer (Marcel Rodriguez) ist hier ein armes verschrecktes Würstchen, das man den Staatsfeind wohl schwerlich anhängen kann. Egal, Wehrhan hat alle in der Schlinge, glaubt er zumindest, bis der Strick, der um alle gewickelt ist, einfach fällt. Das Ganze läuft ja schon bei Hauptmann ins Leere und so bricht auch Fritsch einfach ab und die Truppe ergeht sich in einer Endlospolonaise des puren Wahnsinns. Herrlich! Einem hat diese „dilettantische Albernheit“ allerdings nicht gefallen und so kam es, dass BE-Chef Claus Peymannn nicht mehr an sich halten konnte und Fritsch beim Premieren-Applaus, der auch mit einigen Buhs durchsetzt war, lauthals empfahl, besser Schauspieler zu bleiben, denn Regie könne er nicht.
Derart geadelt, war dann die zweite Arbeit von Fritsch, eine „Nora“ aus Oberhausen, schon deutlich in der Gunst des Theatertreffenpublikums gestiegen. Die Bühne zeigt nur einen großen Papp-Weihnachtsbaum, imaginäre Geschenkkartons werden pantomimisch vorgeführt. Das hübscheste Geschenk für Göttergatte Helmer ist Nora natürlich selbst. Manja Kuhl ist hier tatsächlich eine Puppe im entsprechenden Dolls Dress mit rotem Wuschelhaar. Eine lasterhafte, konsumsüchtige Projektion von Männerphantasien. Sie könnte auch gut und gerne Wedekinds Lulu sein. Die Emanzipation wird durch Fritschs wiederum grelle Figurenzeichnung und Kostümierung ad absurdum geführt. Nora benimmt sich zwar aufsässig und weiß die Männer um den Finger zu wickeln, aber zum Schluss geht sie nicht einfach, sondern hebt wie die Goldmarie ihr Kleidchen und wird von goldenem Flitter beregnet. Helmer ist bei Torsten Bauer ein steifer, unsensibler Machtmensch, Krogstad (Jürgen Sarkiss) ein geiferndes, grabschendes Schattenwesen, Frau Linde (Nora Buzalkas) eine schwarz gewandete, karrieregeile Gouvernante und den Dr. Rank, hier gleich als Dr. Krank bezeichnet, gibt Henry Meier als sabbernden Lustgreis, der sich am liebsten zwischen Noras Beine legt und unter ihr Kleid schaut. Alle sind sie gleich Vampiren gezeichnet, bleiche, knochige Gestalten, die ihren Vorteil, wie lebensnotwendiges Blut aus Nora saugen wollen, geldgeil und besitzergreifend.
Helmer ist der Dresseur seines Geschöpfes Nora, er züchtigt sie auch mal mit Klapsen auf das Hinterteil. Seine Kosenamen für sie, wie „mein Eichhörnchen“, klingen zynisch und lächerlich zu gleich. Das ist Fritschs Verdienst, dass Ibsens Text hier bildlich und im Spiel der Figuren direkt erfahrbar wird. Ein Entrinnen aus dem Goldenen Käfig gibt es für Nora nicht. Am Ende zerschneidet die Psycho-Filmusik die psychologischen Erwartungen an das Stück und fängt der Kunst-Weihnachtsbaum auf der Bühne Feuer. Der schöne Schein der bürgerlich familiären Idylle löst sich in Rauch auf. Keine psychologische Studie über das Bürgertum, sondern bitterböse Entlarvung ihrer Verkommenheit. Wie dunkele Raben schweben sie am Bühnenhimmel und rufen der sich aus ihrem Korsett befreien Wollenden, nur eine kopfschüttelndes „Nora, Nora, Nora“ zu. Fritsch unterläuft mit seinen Inszenierungen die gängigen Erwartungen des Theaterpublikums und verblüfft durch seinen Spielwitz. Das ist keine bloße Provokation, sondern durchaus eine gekonnte Art den alten Theaterbegriff neu zu interpretieren. Es bleibt zu hoffen, dass er sich seine Spielfreude und Frische noch lange bewahren kann, wenn die großen Häuser nun rufen werden. Im Juni inszeniert Fritsch an der Berliner Volksbühne den Schwank „Die spanische Fliege“.

Fototrailer Der Biberpelz vom Theater Schwerin

NDR-Portrait über Herbert Fritsch am Theater Schwerin

Trailer Nora oder Ein Puppenhaus vom Theater Oberhausen

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Christoph Schlingensiefs „Via Intolleranza II“ zum Abschluss des Theatertreffens 2011, Preise und ein Fazit

schlingensief.jpg Schlingenblog, Persönliches Blog von Christoph Schlingensief

Ziemlich genau vor einem Jahr hatte Christoph Schlingensiefs „Via Intolleranza II“ in Brüssel Premiere. Seit dem ist das Stück durch halb Europa getingelt über Wien, Hamburg, München nun zum Theatertreffen 2011 nach Berlin, wo schon 2009 Schlingensiefs Fluxus-Oratorium „Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir“ gezeigt wurde. Seine letzte Produktion nimmt sich nun frei nach Luigi Nonos Oper „Intolleranza 1960“ die Intoleranz des Europäers gegenüber der 3. Welt vor. Es beginnt mit Brigitte Cuvelier, die eher ironisch über die Schwierigkeiten bei der Produktion spricht, als Vortragende an einem Rednerpult. Der isländische Vulkan, Geldschwierigkeiten, frierende Afrikaner und natürlich der völlig erschöpfte Schlingensief selbst waren die großen Hindernisse, die es zu überwinden gab. Deshalb muss nun der Schauspieler Stefan Kolosko übernehmen und durch die Show führen, was dieser begleitet von Arno Waschk und seiner Band auch prompt tut. Allerdings ist das der Anfang von einem fröhlich dilettierenden, kaum zu ergründenden Bühnenchaos ganz im  Schlingensiefschen Sinne.
Eine Brechtgardine wird auf- und zugezogen, andere Zitate an Nono und seine Musik sind nur noch über Handy zu hören. Es laufen Videos von Schlingensiefs Afrikareisen auf der Suche nach einem Standort für sein Operndorfprojekt Remdoogo und einer italienischen Stummfilmfassung von Dantes Inferno (1911). Das 6-köfige Team aus Burkina Faso stellt sich vor und gibt sich erst mal alle erdenklich Mühe uns in Tanz und Gesang unser Afrikaklischee vorzuspielen, übernimmt aber immer mehr die Herrschaft auf der Bühne. Sie halten Nonos Oper ebenso für ein Klischee und haben kurzerhand ihren eigenen Text geschrieben. Es wird gerappt, Kungfu gefightet und der als Hauptdarsteller vorgesehene 13jährige Junge Komi ist in Wirklichkeit ein Kleinwüchsiger der nach einer Frau für sich sucht. Der europäische Kultur-Kodex wird verulkt, Koloske lässt den weißen Besserwisser raushängen und zerpflückt eine kleine Hütte, die von den Afrikaner zusammengebaut wurde. Der weiße Jean Chaize und der Afrikaner Wilfried Zoungrana tanzen Armut und Hunger. Bei Hunger zieht der Schwarze den Bauch ein und drückt die Rippen raus. Klar im Vorteil, er ist ja auch erst 27, da kann das jeder, sagt Chaize. Es werden die Toten der Völkerschauen in Hagenbecks Tierpark in Hamburg aufgezählt und schließlich feiern alle einen großen Dankgottesdienst mit Gospelchor und jeder Menge „Halleluja“.
Das Flüchtlingsproblem und der Freiheitsgedanke Nonos werden bei Schlingensief letztendlich zur Freiheit und Selbstbestimmung der Afrikaner in ihrer eigenen Welt umgemünzt. Schlingensief, der ja nun nicht mehr unter uns weilen kann, tritt noch einmal als Videoprojektion vor den Vorhang und lässt kräftig Dampf ab. Es gipfelt in der Selbsterkenntnis, vor Ort nichts ausrichten zu können und den Afrikanern doch lieber das Geld zu überweisen und sich ansonsten rauszuhalten. 95 Prozent aller Bilder von Afrika sind eh nur von Weißen gemacht. Ab ins Taxi und weg hier, ist die letzte Botschaft. Kerstin Graßmann, langjähriges Ensemblemitglied bei Schlingensief, ruft noch mal zu Spenden für das Operndorf in Burkina Faso auf, die sie ja eigentlich als Behinderte ebenso nötig hätte, aber die in Afrika eben auch. Großer Beifall für ein spielfreudiges Chaosteam und den 3sat-Fernsehpreis für Schlingensiefs Projekt, ein posthumer Dank für den unermüdlichen, unvergessenen Performer.

www.schlingensief.com

dsc03797.JPG Foto: St.Bock
Ist das Theatertreffen noch zu retten?
Es ist 2012 auf jeden Fall mit neuem Team wieder am Start.

Ein nüchternes Fazit für den 2011-Theatertreffenjahrgang zu fällen, ist diesmal so einfach nicht. Man hat wie immer Bemerkenswertes, Leuchtendes neben Unscheinbarem und Belanglosem gesehen, Licht und Schatten dicht beieinander, aber Langweiliges nur in ganz seltenen Fällen. Es wäre doch auch eintönig, wenn man alles hätte abnicken können, was da geboten wurde. Die großen Namen die vielleicht einigen gefehlt haben, wurden eigentlich kaum wirklich vermisst. Es standen Performance gleichberechtigt neben echtem Schauspiel, beides hat seine Berechtigung, wenn mit vollem Einsatz und Wagnis versucht. Große Sieger sind auf jeden Fall die wiedererwachte Spielfreude und natürlich die hervorragenden Ensembleleistungen. Etwas daraus herauszuheben fällt schwer, nur so viel, der Alfred-Kerr-Darstellerpreis für die herausragende Leistung eines/r NachwuchsschaupielerIn geht verdienter Maßen an die Kölnerin Lina Beckmann für ihre Rollen in „Das Werk / Im Bus / Ein Sturz“ und „Der Kirschgarten“ (hier die Laudatio der Jurorin Eva Mattes). Das die beiden großen Häuser Wien und Zürich trotz Bombast eher mit schmaler Kost aufwarteten, hat der Jury letztendlich recht gegeben, den Blick auf die vermeintlich kleineren frei zu machen. Ein Schuss vor den Bug der großen Stadttheater? Wenn, dann ein heilsamer womöglich, man wird es sehen im nächsten Jahr mit neuem Leitungsteam beim Theatertreffen 2012.

Zwei Klassikeradaptionen von andcompany&Co im Berliner HAU

Sonntag, Januar 9th, 2011

FatzerBraz – andcompany&Co versuchen sich den heiligen Bertolt Brecht einzuverleiben

Bereits Ende Oktober des letzten Jahres gastierten andcompany&Co und einige brasilianische Mitstreiter mit einer Version von Brechts „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“ im HAU 3. Die Inszenierung hatte auf dem Theaterfestival in Sao Paulo im August Premiere und ist eine Annäherung an das Prinzip der brasilianischen „Anthropophagia“ der „Verspeisung des heiligen Feindes“ nach dem Manifesto Antropófago (1928) von Oswaldo de Andrades, um sich durch auffressen und verdauen die kreative Energie des Gegners anzueignen und diese selbst wiederum kreativ zu nutzen.
Die Frage nach dem Fressen und der leidigen Moral hat ja in Brechts Texten eine gewisse Bedeutung und so liegt es nahe, den eigensinnigen Fatzer mit den brasilianischen Urmythen wie der des „Macunaima“ des Schriftstellers Mario de Andrades kurzzuschließen. In Südamerika sind ja die Revolutionäre reinste Volkshelden und so tragen die Protagonisten zu südamerikanischen Klängen Masken von Che Guevara, Ulrike Meinhof, brasilianischen Stars und Sternchen sowie Angela Merkel, Bastian Schweinsteiger und natürlich Brecht selbst vor sich her.
Die von den Schlachtfeldern des 1. Weltkrieges desertierte Panzerbesatzung sitzt zu Beginn in einem grünen Planenmonstrum aus dem Arme, Beine und Köpfe herausschauen können. Ansonsten erinnert hier nicht sehr viel an den eigentlichen Ort das Geschehens, die Stadt Mühlheim. Alles wirkt eher sehr exotisch mit Palmen und Tiermasken. Das ist alles sehr erfrischend und lustig anzusehen, letztendlich können andcompany&Co dem Stoff aber nicht viel neues abgewinnen. Der Egoist Fatzer geht den vorbestimmten Weg, weg von den revolutionären Plänen hin zu den Fleischtöpfen. Den Kameraden in ihrem Pappkartonkellerloch hängt er Knochen und Würste vor die Nase. Am Ende verschwindet Fatzer in einem großen Pappmachemaul, leicht verdauliche Kost ohne lästiges Sodbrennen.

Lauter Vater-Sohn-Traumata in teutschen Landen – Die Bearbeitung des „Pandämonium Germanicum“ der andcompany&Co ist nicht bloß eine lenz’sche Eseley

Wer die Szenische Skizze in drei Akten von Jakob Michael Reinhold Lenz, 1775 entstanden, aufführen will, muss dafür schon einen triftigen Grund haben. Vor allem füllt das Stück keinen ganzen Abend. Deshalb schließen die Akteure von andcompany&Co den Goethe-Apologeten Lenz mit einem anderen Möchtegern-Künstler kurz, dem 68er Rausch- und „Reise“-Autor Bernward Vesper, Ex-Geliebter der RAF-Aktivistin Gudrun Ensslin. Vesper hatte an seinem Übervater und Nazidichter Will Vesper zu leiden und sich in seinem Werk versucht von ihm zu emanzipieren. Lenz versuchte mit seiner Satire „Pandämonium Germanicum“ Goethe auf einen Berg zu heben und die Nachahmer von französischen und englischen Vorbildern als Philister zu geißeln. Die Journaille kommt dabei auch nicht gut weg. In einem Tempel des Ruhms treffen alle aufeinander, um letztendlich verspottet zu werden und in Goethe und Lenz die Vorkämpfer des neuen Dramas zu sehen.
Bei andcompany&Co findet das auf einer Bühne mit rotem Vorhang und in historischen Kostümen statt. Goethe ist eine Frau und Lenz alias Vesper ist Maler im Blaumann und um Eigenständigkeit bemüht. Es gibt Bücher so groß, das man in ihnen verschwinden kann und unter ihnen begraben wird. Das Licht wird an und aus geknipst, die Vorbilder aus Kunst, Kultur und Politik tanzen wie in einem Horrortrip durch 200 Jahre Reliquienverehrung mit Figuren wie Shakespeare, Goethe, Schiller, Kleist, Wieland, Lessing, Kafka, Hitler, Bader, Enslin und Vesper an uns vorbei.
Haben andcompany&Co in Fatzerbraz beim Versuch sich Brecht einzuverleiben, den Klassiker noch fast unverdaut wiedergekäut, so entwickeln sie beim durch den Zitat-Wolf drehen von J M R Lenz und all seiner neuzeitlichen Pendanten ein gewaltiges Assoziationsfeuerwerk. Nach dem Motto Handeln, Handeln, Handeln ziehen andcompany&Co hier kongenial Parallelen durch die deutsche Geschichte und schlagen den Bogen der deutschen Heldenverehrung und deren Vaterfiguren vom Sturm und Drang und der Weimarer Klassik über Nationalsozialismus, 68er Generation RAF und deutschem Herbst bis ins Heute. Nur gibt es sie eben nicht mehr diese Überväter und verhinderten Söhne. Jetzt sind alle nur noch Nachahmer und 15 min. Berühmtheiten? Jeder der sich auf eine Bühne stellt, ist gezwungen, das Rad ständig neu zu erfinden, das hat so ähnlich auch schon Rene Pollesch im Perfekten Tag festgestellt.
Andcompany&Co parodieren das bis hin zu Peymann-, Meese-, Bleibtreu- oder Schlingesiefverweisen mit ALS-Quiz. Man muss das Rad nicht mehr neu erfinden, es ist alles schon mal da gewesen und wartet nur auf seine Reproduktion. Lenz`ens Albtraum des sich vom Vorbild befreienden Kunstwerks dient hier nur als Aufhänger für eine wunderbare Eseley des schönen Scheins. Gut geskizzen ist manchmal auch wie gemohlt. Übrigens macht das Ganze auch ohne das nötige Insiderwissen Spaß und wem das all zu süßlich gerät, man muss ja die Bonbons nicht annehmen, wenn man schon zu viel vom Braten genossen hat.

Zum 50. Geburtstag von Christoph Schlingensief

Sonntag, Oktober 24th, 2010

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„Ich habe keinen Bock auf Himmel, ich habe keinen Bock auf Harfe spielen und singen und irgendwo auf einer Wolke herumgammeln.“                                                                                                                                                                        Christoph Maria Schlingensief (24. Oktober 1960 – 21. August 2010)

Trotzdem alles Gute, wo auch immer Du bist, wünscht Stefan.

Christoph Schlingensief – Scheitern als Chance – Der ewige Provokateur ist tot.

Samstag, August 21st, 2010

„Ich habe keinen Bock auf Himmel, ich habe keinen Bock auf Harfe spielen und singen und irgendwo auf einer Wolke herumgammeln.“ –  Spiegel-Interview 2008

Christoph Maria Schlingensief (* 24. Oktober 1960 in Oberhausen; † 21. August 2010 in Berlin)

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„WOLFGANGSEE Warum sollen die fünf Millionen Arbeitslosen nicht gleichzeitig Urlaub am Wolfgangsee machen, am besten, wenn Kohl auch da ist? Und wenn die dann alle gleichzeitig ins Wasser gehen, dann steigt der Pegel – das haben wir ausrechnen lassen – um zwei Meter an. Das Wasser würde dann bis zu den Häusern am Ufer steigen, die Arbeitslosen berühren also immerhin die Häuser. Vielleicht sogar Kohl.“ – Süddeutsche Zeitung, 9. Mai 1998

Nun hat er es doch nicht mehr geschafft, seinen Traum verwirklicht zu sehen, das Operndorf „Remdoogo“ in der Nähe von Ouagadougou in Burkina Faso. Der Tod kam plötzlich aber nicht unerwartet für ihn. Alles was er in der letzten Zeit tat, in der Kunst wie im Leben, war eine Vorbereitung darauf, auch wenn er sich nicht damit abgefunden hatte. Noch in einem seiner letzten Interviews in der NZZ hatte er gesagt: „Nein. Ich bin nicht der geworden, der ich sein wollte, weil ich nie wusste, wer ich einmal sein könnte, wie man glücklich wird. Das Glück ist ja so eine Nanosekunde und funktioniert manchmal glänzend, aber im Grossen und Ganzen?“ Er hat es dennoch gelebt sein Leben intensiv und in jeder Sekunde neu. Es wird uns etwas fehlen, nicht mehr staunend im Theater zu sitzen und über seinen Kosmos an Ideen zu rätseln.

Im jetzt erschienenen Spex-Interview hat er noch mal über seine Art zu schreiben berichtet. Er schreibt am liebsten nachts allein in irgendeinem Hotel. Der Text läuft wie in einem Kino auf einer Leinwand in seinem Kopf ab. In den Anfängen hatten er, Matthias Colli und Oskar Röhler für ihre Filme ganze Dialoge aus anderen Filmen übernommen und bis zur Unkenntlichkeit verfremdet. „Man geht eben immer noch vom Genie aus, und daher darf nichts geschrieben werden, was nicht von einem selbst stammt. Das ist aber ein Vorwurf von gestern. (…) Ich habe nichts erlebt in meinem Leben, aber ich habe immer alles behauptet, zur Not mit den Worten anderer.“ Erlebt hat er dennoch viel, für ein so kurzes Leben und wir durften an fast allem teilhaben. Dafür Dank.

Mein Freund, das grad ist Dichters Werk,
dass er sein Träumen deut` und merk`.
Glaubt mir, des Menschen wahrster Wahn
Wird ihm im Traume aufgetan:
All Dichtkunst und Poeterei
Ist nichts als Wahrtraum-Deuterei.

Friedrich Nietzsche aus Die Geburt der Tragödie aus dem Geiste der Musik

Die Premiere der Oper „METANOIA“ eine Zusammenarbeit mit Jens Joneleit (Musik) und René Pollesch (Text) ist am 3.Okt. im Schillertheater. Die Oper soll szenisch aufgeführt werden, laut Intendant Jürgen Flimm.

„Christoph Schlingensief war einer der größten Künstler, die je gelebt haben. So einen wie ihn kann es nicht mehr geben. Mit einer unglaublichen Kraft hat er Menschen um sich geschart. Wie von einer umgekehrten Fliehkraft sind sie buchstäblich an ihn herangerissen worden. Ich dachte immer, so jemand kann nicht sterben. Das ist, als ob das Leben selbst gestorben wäre.“ – Elfriede Jelinek

In ihrem Text Tod-krank.Doc hat Elfriede Jelinek Krankheit und Tod Christoph Schlingensiefs von März 2009 an bis jetzt (unter Aktuelles, 2010) verarbeitet.

Weitere Stimmen zum Tod von Christoph Schlingensief aus der Presse.

Schlingenblog

Schlingensief-Website

Online-Kondolenzbuch

Die deutsche Schauspielkunst im Sommerloch oder ein Rauschen im Blätterwald

Mittwoch, Juli 21st, 2010

In der warmen Jahreszeit, wenn sich die Mehrzahl der Städter aufs Land oder in den Urlaub aufgemacht haben, die Theater geschlossen sind und man nur in noch in einigen unermüdlichen Open-Air-Hochburgen theatralischen Spaß geboten bekommt, dann kommt es vor, das sich einige nun nutzlos gewordenen Kritiker, Regisseure oder andere Vertreter der hohen Kunst des Schauspiels über selbiges ins Grübeln verfallen. Die ersten Ergüsse dieses zwanghaften Denkeskapaden sind nun in den Wochenendausgaben der großen Blätter unserer Theaterrepublik zu bestaunen und müde muss man konstatieren, wozu dieser zusätzlich vergossenen Schweiß, ist das alles doch auch ohne dieses zusätzliche Rauschen im Blätterwald kaum noch zu ertragen. Für frischen Wind bei dieser Hitze sorgt das Ganze ohnehin nicht.

Nachdem ich einigermaßen abgekühlt aus dem Weißen See wieder aufgetaucht bin und die Frische noch in mir nachhallt, sitze ich hier und denke wieder über dieses Phänomen nach. Das deutsche Schauspiel scheint irgendwie allen wie das Ungeheuer aus dem Loch Ness vorzukommen, jeder spricht darüber, alle glauben es zu kennen, nur keiner weiß, wie es wirklich aussieht. Es taucht immer mal wieder aus Sommerloch auf und es werden uns schemenhafte Bilder davon gezeigt.

Nessi, nicht das Schauspiel, lebt im schönen Schottland nahe Inverness, das sicher auch bekannt ist als möglicher Standort der Burg Dunsinane, welche in grauer Vorzeiten schottische Königsgeschlechter beheimatete. Der Dichter William Shakespeare hat über einen von ihnen ein blutrünstiges Schauspiel geschrieben, indem zwar keine Ungeheuer, dafür aber 3 Hexen, jede Menge Geister, laufende Wälder und ein Mann, den keine Frau gebar vorkommen. Das Stück heißt Macbeth und war vor noch nicht all zu langer Zeit ein großer Streitpunkt, wegen einer Inszenierung, welche einige der oben geschilderten Phänomene so gegenwärtig machte, das man meinen mochte, man wäre mitten unter ihnen und schaue nicht nur in schmerzverzerrte Gesichter. Das hatte einigen Zuschauern gehörig den Magen verdreht und eine sogenannte Ekeldebatte heraufbeschworen. Der Regisseur dieser Lehrstunde des deutschen Schauspielertheaters, Jürgen Gosch, ist mit seinen Inszenierungen unvergessen, in der Darstellung von vielfältigsten Charakteren auf der Bühne, dort konnte man ihn leben sehen, den Schauspieler, wie er Peter Kümmel wohl vorschwebt. Goschs Figuren waren immer sehr präsent, schon allein durch ihre ständige Anwesenheit auf der Bühne. Was diese Figuren nun so gegenwärtig macht, ist die Begeisterung, die Gosch in den Schauspielern entfachen konnte aber auch gerade das bewusste Vergehen von Zeit, das Gosch hier wie kein anderer sichtbar machte. Diese Vergänglichkeit ist in seinen Tschechowinszenierungen besonders deutlich. Aber selbst dieser Ausnahmeregisseur fällt Kümmel in seiner Generalabrechnung mit der dramatischen Schauspielkunst in der Zeit nicht ein, sein Text ist leider fast ausnahmslos negativ. Kein Beispiel wie es sein könnte, außer Schiller, Goethe und Platonischen Augenblicken. Einst war es mal und nun will er, das es wieder ist. Oh wie traurig ist doch die Gewissheit, nie wieder einen solchen Macduff erleben zu können, oder vielleicht steht er ja doch schon vor den Toren Dunsinanes, nur niemand erhört sein nie enden wollendes Klopfen, oder taucht er etwa irgendwann auf, wie der Wald von Birnam. Jürgen Gosch war und ist tatsächlich immer noch eine Ausnahme im deutschsprachigen Theater.

Nina Hoss, die für Kümmel wohl der Inbegriff des durchtönten Körpers ist, der sich jeden Abend neu begegnet, ist auch nur ein Star der vom Beifall lebt und ihn auch stetig einfordern wird. Das sagt doch nichts über die tatsächlichen Motivationen für das Theaterspielen aus. Ich kann es ehrlich gesagt nicht mehr hören. Wer diese Art von pseudogegenwärtigem Heucheln von Gefühlen mag, kann ins BE gehen oder muss zwangsläufig in der Vergangenheit weiter leben. Mich interessiert nur, warum eine Figur etwas macht, nicht wie sie es macht. Dazu bedarf es einer Erläuterung oder des eigenen Mitdenkens. Das kann man wie Elfriede Jelinek durch eine von Kümmel so genannte Textfläche erreichen. Dennoch braucht man zum Transportieren dieser Texte aber immer noch einen Schauspieler und der wird jetzt nicht einfach nur zur Projektionsfläche einer Nachahmung wie der Mime, sondern er ist der Projektor selbst, der in uns das Bild erzeugt, ähnlich wie im Roman. Dabei ist es völlig unbedeutend, ob er von Vergangenem oder Gegenwärtigem erzählt, er bleibt trotzdem weiter als Figur präsent.

„Wir werden alle Augenblicke unseres Lebens wiedererlangen und sie kombinieren, wie es uns gefällt. Gott und unsere Freunde und Shakespeare werden unsere Mitarbeiter sein.“ Dieser Satz vom surrealistischen argentinischen Dichter Jorge Luis Borges dürfte Stadelmaier und Kümmel ein Graus sein. In seiner Bibliothek von Babel gibt es ein Buch, das eine unendliche nicht fassbare Anzahl von Seiten hat. „Das Sandbuch“ versinnbildlicht das Rätsel des Seins, die unendliche Zeit und die Grenzen der menschlichen Vorstellungskraft. Ein schier unendliche Fülle an Ideen und Geschichten entspringen diesem Quell der Seiten, vor allem auch für die Bühne, möchte man meinen und es ist wie Borges noch sagt: „Alle Menschen, die eine Zeile von Shakespeare wiederholen, sind William Shakespeare“.

Das der Roman und der Film seit langem ins Theater Einzug gehalten haben, ist nicht neu und so ist auch der vor Peter Kümmels Zeitartikel von Gerhard Stadelmaier recht uninspiriert geschriebene Artikel in der FAZ eigentlich auch nicht mehr als eine Randspalte wert. Man spürt förmlich, wenn man seine sonstigen Texte kennt, das krampfhafte Suchen nach einem Aufhänger, mal wieder ordentlich Gift verspritzen zu können. Leider gelingt es ihm nicht und so wendet er sich auch schnell vom Romanthema ab und den Gegenwartsautoren zu. Aber auch dort wird er nicht fündig, der Text bleibt blass und man liest Sachen, die man schon lange weiß oder die nur wieder seinen alt bekannten Geschmack unterstreichen. Leider kein Botho Strauß nirgends, wie langweilig wird diese Theatersaison werden. Das in diesem Jahr außer einigen Romanen, die mittlerweile selbst Bühnenklassiker geworden sind, vor allem viele Uraufführungen von jungen Dramatikern die Bühnen stürmen, wird ihn wahrscheinlich eher beunruhigen, als die x-te Variation von Der Besuch der alten Dame oder Homo Faber. Die kennt er, da weiß er sich zu verhalten. Zur Gegenwart hat er längst den Bezug verloren und so wird sich seine bildgewaltige Veriss-Maschinerie schwerer anwerfen lassen bei einem eher sparsamen Text Stockmanns oder einem fabulierenden Schimmelpfennig, obwohl der ja nun fast schon in den Fußstapfen von Botho Strauß steht. Das sich z.B. Nicolas Stemann mit Goethes ganzem Faust beschäftig, Armin Petras nicht nur Romane adaptiert, sondern auch die Hermannsschlacht von Kleist mit der von Grabbe vergleicht, Michael Thalheimer sich Die Weber von Hauptmann vornimmt und Andreas Kriegenburg sich an Shakespeares Sommernachtstraum versucht, scheint ihn nicht zu interessieren. Das sind Leute, die in seinen Vorstellungen von Theater nicht vorkommen und so muss man sich auch keine Sorgen um Herrn Stadelmaier machen, er ist aus dem heutigen Theater schon lange verschwunden und das ganz ohne Staubwolke.

Leider ähnlich langweilig, wie Stadelmaiers Vorabrechnung der kommenden Theatersaison ist das Interview in der FAS mit Luc Bondy. Vertikales und horizontales Denken oder das Bondy an Schlaflosigkeit leidet, weil ihm erst nachts immer so zum Nachdenken ist und ob Liebe, Sex oder Schlaftabletten helfen, bitte wen interessiert das? Bondy ist Hedonist und zugleich Masochist, sagt er, Essen und Trinken sind seine Leidenschaft. Na wenn es für ihn sonst nichts mehr gibt, als ständig über den Tod nach zu denken. Krebs oder eine jede andere schwere Krankheit werfen einen zweifelsohne aus der Bahn, aber vielleicht sollte er sich ein Beispiel an Christof Schlingensief nehmen und sich und uns nicht mit vergeblichen Psychoanalysen quälen. Wenn Bondy sich jetzt in der Oper wieder gefunden hat, ist das doch wunderbar, scheint bei Schlingensief ja ähnlich zu sein. Warum dann aber wieder der übliche Schlag nach den jungen Regisseuren? Danach ist er doch gar nicht gefragt worden. Er erfindet ein Bild der heutigen Theaterlandschaft als vergängliches Naturphänomen wie den isländischen Vulkanausbruch, toll. Bin ich da froh, das Vulkane nur schlummern und immer mal wieder ausbrechen können, ganz unabhängig vom Wetter. Zumindest hat sich dann mal was bewegt und die Leute kommen vielleicht zum Nachdenken. Aber ihm ist wahrscheinlich der Mensch zum Denken eh zu träge und daher kommt dann dieser Schmerz an der Welt und die Einsamkeit. Auf seine Schreibversuche kann man also sehr gespannt sein und in Vorzimmern von irgendwelchen Intendanten muss er damit ganz bestimmt nicht „antichambrieren“.

Dagegen nimmt sich das Interview, das die NZZ mit Christof Schlingensief geführt hat, wohltuend selbstreflektiv aus. Endlich mal kein ödes Sommer-Gedöns. Wenigstens einer macht sich noch ehrlich Gedanken zum Dilemma an den Deutschen Bühnen, ohne alles besser wissen zu wollen. Übrigens sagt Schlingensief nicht das früher alles besser war, in diesem negativen Kontext wie Peter Kümmel. Er blickt dankbar an seine Beginn als Theaterregisseur Anfang der 90er Jahre an der Berliner Volksbühne zurück, einem Glücksmoment in seinem Schaffen. Seitdem ist das Theater für ihn im besten Fall „…vor allem ein Forschungslabor, in dem die unterschiedlichsten Gedanken aufeinanderprallen und explodieren dürfen“, ganz ohne den Blick auf Zuschauerzahlen und den auf Konsens zielenden Programmmix der meisten Intendanten, dem der Mut zur Radikalität fehlt. Das was anderen so abgeht, hier findet man es, die Fähigkeit sich selbst richtig einschätzen zu können und das ganz ohne Kompromisse auch gegen sich selbst: „Glückseligkeit heißt, frei zu sein – auch so frei zu sein, sich selbst in Frage zu stellen. Aber das kriegt kaum einer hin, weil es schwer ist, ganz allein und für sich selbst eine Entscheidung zu treffen und zu sagen: «Ich bin nicht der, der ich sein wollte. Wie kam es dazu?»“ Schlingensief lebt wirklich im Augenblick, in dieser „Nanosekunde des Glücks“.

Eine besonders schlechte Angewohnheit von Politikern ist es, im Sommerloch über Geld zu reden, während sie sich wahrscheinlich gerade einen Luxusurlaub gönnen oder nach neuen Posten Ausschau halten. Das trifft in diesem Jahr wohl auch auf den Berliner Finanzsenator Ulrich Nußbaum zu, der mal wieder notorisch die Kürzung der Subventionen für die Theater fordert. Er begründet das in einem Interview mit der Berliner Zeitung damit, das eh nur Leute mit besseren Einkommen ins Theater gehen und man die ja nicht auch noch subventionieren müsse. Er fordert im Gegensatz dazu mehr bürgerliches Engagement, da hat Berlin im Gegensatz zur Mäzenatentenkultur in Hamburg und Bremen wohl eine Menge nach zu holen. Potenzial sieht er vorhanden, nur identifizieren sich die Berliner zu wenig mit ihrer Stadt. Selbst hat er mit einem Großhandel für Tiefkühlfische ein Vermögen gemacht und könnte eigentlich gleich mit gutem Beispiel voran gehen. Also Kultur nur für Reiche, der Hungerkünstler am Tropf der Mäzene und das Volk kann sich mit Campingstuhl und Thermoskanne zum Public Viewing auf den Bebelplatz setzen. So stellt sich der König der Tiefkühlfische wohl das neue Berlin vor. Eine Stadt die gerade durch ihr kulturelle Vielfalt und das gute Preis-Leistungsverhältnis überhaupt erst Touristen anlockt und gerade bei jungen Leuten was die Subkultur und Off-Szene betrifft, ganz groß im Trend liegt. All das will Herr Nussbaum kaputt sparen. In der Komischen Oper gibt es z.B. schon Ticketaufpreise für Leute die freiwillig mehr bezahlen wollen. Die können das auch tun, nur kann denjenigen die sich die Tickets vom Munde absparen, nicht die Möglichkeit genommen werden, am kulturellen Leben dieser Stadt teil zu nehmen. Was hat den Hamburg nun von seinen Millionären, außer einer baufälligen Kunsthalle und eines überteuerten Philharmonie-Neubaus? Die Preise in den Museen und Theatern in München und Hamburg sind tatsächlich um einiges höher, jedoch bezweifele ich, dass die Institutionen dort von der sogenannten Mäzenaten- und Unternehmerkultur tatsächlich etwas haben. Die Kulturvielfalt in Hamburg, der Stadt der Millionäre, ist nicht gerade Top und München ist so elitär und teuer, das sich das bald kaum noch ein Normalsterblicher leisten kann. Warum geht denn ein bekannter Künstler wie Daniel Richter aus Hamburg nach Berlin, bestimmt nicht weil die Kulturpolitik in Hamburg so toll ist und ihm Geld vorne und hinten rein gestopft wird. Nun ist es mit der Berliner Kulturpolitik ja bekanntermaßen auch nicht gerade weit her, aber der Kultursenator, der wohl immer noch Klaus Wowereit heißt, wäre gut beraten seinen Finanzsenator ins Sommerloch zurück zu pfeifen. Berlin ist um seine Finanzsenatoren nicht zu beneiden. Woran das wohl liegen mag? Bestimmt an der Verschwendungssucht der Berliner Millionäre, die keinen Groschen mehr für die Kultur übrig haben und den vielen Hartz-IV-Empfängern, die sich lieber um Großbildfernseher in den Media-Märkten prügeln.

Berlin hat bei weitem nicht so ein hohes Pro-Kopf-Einkommen wie München oder Hamburg. Die Zugezogenen mit den guten Jobs geben da für mich auch nicht der Ausschlag, sondern die Normalverdiener, die weder Anspruch auf Unterstützung noch genügend Kohle für die Kultur haben. In München und Hamburg sieht man die kaum noch im Theater, in Wien auf den Stehplätzen, soll das in Berlin auch so werden? Die Theater ein elitären Club der Besserverdienenden, die sich dann über Rene Pollesch amüsieren, das konterkariert ja alles, was Theater heutzutage noch bedeuten könnte. Der Amüsierbetrieb ist auch in Berlin schon auf dem Vormarsch, man muss sich dann über Unterschichten keine Sorgen mehr machen, die kommen dann nicht mehr vor, nicht mal mehr hinter Glas.

Ein weiterer Beleg für die Saure Gurkenzeit ist, dass Leute, die es sonst kaum in die Regionlazeitung schaffen, plötzlich in der großen Welt erscheinen. So auch der zwar durchaus bekannte Intendant der Senftenberger Neuen Bühne Sewan Latchinian, der nun wiederum die zu geringe Subventionen für Provinztheater feststellt. Er will sich aber gar nicht beklagen, Not mache eben auch erfinderisch und mit weniger Geld müsse es dann ja auch gehen, nur grenzt das nicht mehr nur an Selbstausbeutung, das ist Selbstausbeutung, konstatiert er ernüchtert. Ein Patentmodel hat er natürlich auch bei der Hand, die Not zu lindern, keine regionalen Kooperationen kleiner Theater, sondern die Großen gehen Patenschaften mit den Kleinen ein. Da werden die sich aber bedanken, während Leipzig sich noch Stars aus Berlin leisten kann, werden die aber bestimmt nicht für`n Appel und`n Ei nach Senftenberg gehen. Der Gedanke von Sewan Latchinian ist zwar gar nicht so übel und auf jeden Fall nachdenkenswert, nur kann das nicht von oben verordnet werden, sondern muss aus den Theatern selber kommen. Koproduktionen sind ein erster Schritt, das auch wird schon so gelebt. Partnerschaften von großen Theatern mit Provinzbühnen wären durchaus begrüßenswert, wenn das keine Einbahnstraße bleibt. Vielleicht kommen die Großen dann auch mal aus ihrer Lethargie und Nabelschau raus.

Ein weiteres Interview gibt Nikolaus Bachler in der Welt aus der Sicht der Champions-League-Intendanten der Staatsoper München, die sich international behaupten kann, im Gegensatz zu Berlin, Hamburg und Köln, die sich seiner Meinung nach wohl im Abstieg in die Regionallige befinden. Sparen ist unsexy und besonders in der Krise muss investiert werden. Da sind dann die großen Stars gefragt und „Ein Spitzensänger kostet kein Geld, der bringt welches“. Zu Bachler muss man wirklich nicht mehr viel sagen, der sollte mal lieber vor der eigenen Tür kehren. Er kann es sich ja offenbar leisten, die Stardirigenten wie die Hemden zu wechseln. Sparen ist also unsexy in München, na ja, die neue temporäre Oper auf dem Marstallplatz sieht dann ja auch ganz geil aus, aber wer geht denn da rein, wenn der Schlingensief mit seiner Oper erst mal weiter gezogen ist. Da der Bau ja transportabel ist, kann er jetzt den Zuschauern hinterher ziehen, oder dem Autohersteller und Mitfinanzier als Werbefläche dienen.

Das ist der Unterschied von der Provinz zu München, da sieht selbst Berlin im Vergleich ziemlich alt aus, wie es scheint. Nach Nußbaumscher Milchmädchenrechnung wird es wohl  bald keine 3 Opern mehr geben und das ist wohl auch sein Ziel. Da hilft dann auch der jüngste Welt-Interview-Kanditat, der frisch engagierte Wundertäter Jürgen Flimm nicht mehr, trotz großer Pläne und wie es schein mit viel Elan direkt aus den Fängen des politischen Klüngels der Salzburger Festpiele an die Staatsoper unter den Linden geeilt. Ob er nach der ersten Saison sich mit dem Berliner Klüngel anfreunden kann, oder doch vom Regen in Traufe gekommen ist, wird er selbst erfahren müssen. Zumindest hat er sich seinen Sinn für das Kindliche bewahrt und vergleicht die Kunst dann auch mit einem Kind, das nicht unterm Tisch hervor kommen will, „…und sagt, das geht nicht, ich bin im Bergwerk. So simpel ist das. Das Kind weiß genau, welche wunderbare Kraft die Fiktion hat, dass es sich mit einer Fiktion von der Welt entfernen kann. Das macht Theater immer. Die Kunst hat die größten Errungenschaften der Menschheitsgeschichte hervorgebracht.“ Wer klärt uns nun auf, wenn die Kunst des Jürgen Flimm sich von der Welt entfernt, zumindest will er kämpfen für den Platz der Künste. „Nichts ist selbstverständlich.“ Willkommen in Berlin, Jürgen Flimm.

Ob im Herbst an Latchinians Vorschlag oder an die vielen anderen Versuche Saure Gurken an den Mann zu bringen, überhaupt noch jemand denken wird, ist sehr fraglich, man wird sich höchstens an die eine oder andere nette Provinzposse erinnern und milde schmunzeln. Nichts desto Trotz, auf weitere Meldungen aus dem Sommerloch darf gehofft werden.

So genug Geunke, ich werfe mich nun wieder in den kühlen Weißen See und gehe danach Saure Gurken aus dem Spreewald kaufen.

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